这个夏天，没吃上淄博小串卷饼的年轻人，都跑到音乐节蹦迪了。

疫情结束之后，各地沉寂了三年的线下音乐节，如雨后春笋一般冒了出来，好像要玩命把过去几年欠的演出补上一样。

一时间，上到北上广，下到村镇县，全国哪哪都有音乐节。

(资料图片仅供参考)

据相关数据统计，2023年五一假期期间，线下营业性演出高达31050场，比2022年同比增长417.5%，甚至比疫情前的2019年还高出49.1%。

其中，42场大型音乐节直接卷走了50%以上的人流量。

五天假期内，大型音乐节和演唱会，共计产生了6亿元票房。

但现如今的音乐节，被捧得多高，争议就有多大。

在网上检索音乐节，除了攻略外，多半是吐槽和差评。

永远排队的厕所：

充满垃圾的现场：

经常和乐迷在物理层面“亲切互动”的保安：

从滚青精神老家，到被人口诛笔伐，越做越大的音乐节，到底捅了什么篓子？

他们要去的目的地，是短暂的乌托邦，是可以忘记现实烦恼，尽情享受的地方。

但，当乐迷们到达场地后，看着眼前的烂泥坑，心中只剩下了失望。

“体验差”成了今年音乐节体验中，出现频率最高的一个词。

过去的音乐节，讲究一个“永远年轻，永远热泪盈眶”，而如今，却变成了“永远憋尿，永远腰酸背痛”。

如厕难已经成为几乎所有音乐节的通病，以至于大部分乐迷，在烈日炎炎之下Pogo，靠啃黄瓜续命。

餐饮贵更是广被诟病的一点，前几天，天津某音乐节10块钱一杯的分装冰露，让人直呼在音乐节连水都喝不起了。

音乐节的选址也常被拎出来吐槽，乐迷们要么位于荒郊野岭，看一场演出，吃半嘴沙子；要么身处田间地头，喂半天蚊子。

不过，对于一些音乐节常客来说，为了能看心心念念的演出，这些问题都能多少克服一下。

真正惹恼年轻人的，是音乐节在演出方面的“不上心”。

前不久，在河南举办的嵩山音乐节就因为各种骚操作，被频繁骂上热搜。

有网友列举了嵩山音乐节的“五宗罪”，条条都“精准命中”了办音乐节的雷区。

抛开演出安排，门票涨价和黄牛泛滥，也是音乐节最招骂的点。

大部分音乐节的价位在几年前还是300+元/天，1000+元/三天的档次。

而近几年，部分音乐节的票价能飙升到800+元/天，VIP票甚至高达数千元，被人直喷吃相难看。

猖獗的黄牛也让乐迷苦不堪言，许多音乐节都有“开票秒光”的现象，随后，他们的门票会以数倍价格出现在各种渠道。

甚至还有黄牛堂而皇之地利用安保漏洞，撬开围栏硬闯入场。

乐迷们买了天价票，坐着长途大巴来到荒山野岭，期待着自己的“乌托邦”。

但却看到了临时更改的阵容、荒凉破败的环境、乱糟糟的现场和调音、不专业的保安...

再理想的“朝圣”心态，都会被慢慢消磨干净。

原本圈地自萌的两个小众圈子，开始走入大众视野，变成了流量密码。

此后，除了摩登天空、迷笛、麦田和太合等专业音乐公司，音乐节的“跨界主办”多了起来。

除了本就定位年轻人的新消费品牌，音乐节也成了各地方拉动旅游、展示城市风采的好手段。

众“跨界主办”的涌入，让音乐节这条赛道变得异常拥挤。

并非专业的主办们，想要在赛道中卷出特色，就只能选择最简单粗暴的路线：堆阵容。

主办们相信，只要阵容够硬，就能吸引来客。

面对音乐市场上眼花缭乱的艺人风格，主办们只能选择“我全都要”。

一条音乐节阵容的“（伪）爆款公式”就此诞生：

大牌音乐节=流量小生+潮流Rapper+摇滚老炮。

但凡能凑齐这三样，就能满足所有画像的年轻人，让众口不再难调。

主办算盘打得不错，但对于观众来说，这样的安排简直是毫无体验。

在同一个舞台下方，既有拿着荧光棒的饭圈女孩，还有穿着黑T恤的重型乐迷。

两个原本属于不同圈子的歌迷，被硬生生放在同一场景，气氛颇为尴尬。

在提倡“彰显个性”的乐迷群体中，这种安排很难不引发歌迷群体之间的矛盾。

小清新乐迷听不得燥的慌的金属；想要“be real”的说唱粉丝看不起诗与远方的民谣。奔着给idol应援的饭圈女孩，也会因为演出时间不够长，在小红书上怒骂主办方。

本想一件事儿赚两份钱，最终却变成了一场演出挨两份骂的尴尬。

而且，艺人出场费也成了众多音乐节主办头疼的问题。

随着艺人在节目“镀金”之后，一些原本出场费平平的乐队，出场费成倍增长。

刺猬乐队

比如刺猬乐队，出场费就从《乐夏》前的3万，涨至50万。

《乐夏》第一季的冠军新裤子乐队，出场费也高达150万。

而说唱艺人和流量明星的出场费，也一直居高不下。

根据2017年的数据，一场大型音乐节，约有60%的预算花在演出资源及宣传上，如今，这个比例只能更高。

很多主办本就不太富裕，被逼无奈，只能在设备、选址、安保和乐迷服务方面缩水。

即便预算宽裕，请来了各路明星，在有限的时间内协调艺人的时间，也十分困难。

张震岳在雁栖音乐节

对观众来说，被严重缩水的演出时间，也意味着音乐节为数不多的体验被进一步破坏。

演出设备差，也会让演出质量大打折扣。

在北京举办的雁栖音乐节，就出现了因为张震岳团队的音响调试时间过长，推迟演出，而被观众喊退票的事故。

在淮安举办的“龙宫音乐节”因为过于差劲的安保团队和音响系统，登台演出的朴树都忍不住现场吐槽“请主办方尊重一下观众”。

在流量当道的年代，追求过于豪华的阵容，成了音乐节们的执念。

想通过流量迅速变现的音乐节主办，最终丢了口碑，也没见到钱。

据悉，今年在全国的大型音乐节中，仅有20%可以完成盈利。

音乐节，距离一种成熟的商业模式，还有很长的路要走。

主办方作为乐迷和艺人之间的“中间人”，应该把节日氛围的打造，当作主要的考量点。

说到节日氛围，国内的主办们，有必要跟国际上成功的音乐节们取取经。

乐迷们都在吐槽国内音乐节普遍秩序混乱、服务差，那我们来看看日本的Summer Sonic音乐节（以下简称SS）是怎么做的。

SS音乐节，向来以完美的乐迷体验著称。

为了让乐迷避免长途跋涉，SS会把举办场地选择在距离市中心半小时公共交通左右的范围内。

SS也不会让乐迷体验“憋尿看演出”的痛苦，在现场，SS总会准备足量的卫生间，除此之外，现场还有吸烟室、急救室、母婴室和专门补妆用的化妆间，非常贴心。

2022年SS的场地规划

SS现场也没有业余和态度恶劣的保安，演出散场后，SS的工作人员还会耐心引导客流，避免踩踏和拥挤。

SS还曾经在上海举办过演出，虽然无法复刻日本SS的完美场面，但是在音响系统、乐迷服务和阵容方面，还是值得国内主办们认真研究的。

单纯凭借优质的服务还是不够，音乐节的节日氛围，也是乐迷最看重的点。

而光靠流量明星，是无法打造真正的节日氛围的。

在这方面，位于美国加州的“世界最大音乐节”Coachella（科切拉）音乐节，就能把“氛围”玩到极致。

科切拉的创始人Paul Tollett认为，音乐节应该将空间、舒适和整体的酷感氛围放在首位。

与国内音乐节千篇一律的“舞台+草皮”不同，科切拉会邀请很多建筑和雕塑艺术家，把场地装扮得如同幻想世界一般。

除了大型艺术展览，科切拉还有泳池派对、快闪舞会和美发沙龙等等有趣的独立品牌活动。

随着规模的扩大，美国最受年轻人追捧的时尚品牌、科技巨头，都会主动来找科切拉进行合作。

相比之下，科切拉是真的搞清楚了美国Z世代们想要什么：不仅是顶尖阵容，还要最潮、最新、最前卫的综合艺术体验。

虽然被人诟病成“网红打卡中心”，但是能抓住Z世代的心，就是科切拉最大的竞争力。

当然，最值得中国主办们学习的，也许是大牌音乐节主办们专业、真诚的态度。

这首先就体现在票务系统上。

相比于动辄暴雷、货不对板的情况，服务周到、阵容强大的SS票价却性价比高得离谱。

即便如此，SS完全不用担心盈利不够，2019年，SS就完成了3亿元票房的壮举。

而科切拉音乐节虽然票价高昂，但却可以保证演出“量大管饱”。

2012年，科切拉音乐节预售“秒空”，在乐迷的呼声下，科切拉音乐节决定把演出时间延长至两周，且保持同样阵容。

让成本翻倍的操作虽然很冒险，但是科切拉的良好口碑，还是支撑其“双倍量”的门票在半天内售罄。

而且无论是SS还是科切拉音乐节，在阵容更换、退票时都会提前通知，且非常干脆利落，用户不用进行太多扯皮。

国内音乐节，需要摆脱急功近利的心态，重新思考一下音乐节这门生意的本质。

用心把用户体验做好，才是音乐节们应该卷起来的方向。